아르농쿠르를 소개하는 인터넷은 이 사람을 다음과 같이 묘사하고 있다. "감성으로 생각하고 이성으로 느끼는 지휘자(A conductor who thinks with his heart and feels with his mind)". 생각은 감성적으로하되 그것을 냉철하게 컨트롤하는 지휘자라는 의미일 게다. 실제로 아르농쿠르는 "음악이란 로맨틱한 예술이다. 나야말로 진짜배기 로맨티스트이다"라고 자신의 예술적 입장을 토로한다. 
확실히 아르농쿠르는 우리 시대의 주목받는 인물일 뿐 아니라 상당한 흥미를 지니고 지켜 볼만한 이색적이고 유능한 지휘자이다. 특히 바로크 음악에 관한한 그는 아주 특별한 위상을 차지하고 있는 스페셜리스트이기도 하다. 그러면서도 스스로는 "나는 항상 정격음악이라는 단어를 싫어한다. 그건 매우 위험하기 때문이다. 박물관 음악은 나의 관심사가 아니다. 바흐나 루이14세를 방문하기 위한 안내 따위는 관심이 없다"고 잘라 말하고 있다. 이 대목을 눈여겨보아야 한다. 다시 말하자면, 자기는 단순한 복원주의자, 또는 발굴자가 아니라는 강변인 것이다. 고악기와 그 시대의 정신을 이 시대에 되살리기는 하되 그것이 단순한 복원이 아니라 새로운(현대적) 재해석의 창조행위라는 주장인 것이다. 아르농쿠르의 음악을 이해하는 귀중한 잣대가 되는 사항이다. 
아르농쿠르는 베를린에서 태어나긴 했지만 국적은 오스트리아이다. 양친이 모두 귀족 혈통이다. 부친은 벨기에 남부 아르농쿠르 마을의 백작 가문 출신이고, 모친은 합스부르크家와 깊은 인연을 맺고있는 명문가 출신이다. 1929년 12월 6일, 베를린에서 태어나 초등교육은 오스트리아의 그라츠에서 받고 대학은 빈(Wien)국립 아카데미로 갔다. 전공은 첼로였고, 부전공으로 첼로의 조상격이라 할 수 있는 고악기 비올라 다 감바(viola da gamba)를 독학으로 습득했다. 
1952년, 빈 교향악단에 첼로주자로 입단하여 본격적인 오케스트라 생활을 하는 한편, 비올라 다 감바 독주자로서의 활동에도 진력하였다. 이 무렵 고악기앙상블 단체를 만들겠다는 계획을 갖고 1953년에 이를 실천에 옮긴다. 빈 교향악단에서 같이 활동하던 플루트 주자 레오폴드 슈타스트니, 오보에 주자 예르그 쉐프트라인, 바이올린 주자이자 자신의 아내인 알리스 아르농쿠르(AliceHarnoncourt), 건반악기 주자 헤르베르트 타헤시 등을 규합하여 '빈 콘센투스무지쿠스(Concentus Musicus Wien)'라는 본격적인 고악기 앙상블을 결성하였던 것이다. 이후, 약 4년간에 걸친 준비기간을 거쳐서 1957년에 공개적인 데뷔 연주회를 열고 본격적인 연주활동에 돌입하기에 이른다. 하나의 앙상블을 만들어서 무려 4년간에 걸쳐 착실한 준비를 했다는 사실만으로도 이 지휘자가
지니고 있는 음악관을 미루어 짐작할 수 있을 것이다. 
1960년대엔 해외공연도 활발해지고 빈 콘센투스 무지쿠스와 아르농쿠르의 이름도 국제적으로 널리 알려지기 시작한다. 1970년, 음반 역사상 처음으로 바흐의 '마태 수난곡'을 오리지널 악기로 녹음하였고, 1971년엔 빈의 '디어터 안 데어 빈'에서 역시 고악기로 몬테베르디의 오페라 '율리시즈의 귀환'을 상연하여 비상한 관심을 모았다. 잇달아서 바흐의 미사 나단조와 브란덴부르크 협주곡, 헨델의 많은 작품들을 발표한다. 특히 1966년, 영국에서 있었던 헨델의 메시아 연주회는 이들이 거둔 가장 빛나는 성공의 하나로 기록되고 있다. 그러나 그 시절만 해도 생소하기 만했던 오리지널 악기를 사용한 이들의 연주는 많은 논쟁의 대상이 되기도 하였다. 그럼에도 불구하고 아르농크루에 대한 인지도와 고악기에 대한 그의 해박한 연구성과에 대한 평판은 매우 호의적인 것으로 형성되어 갔다. 그리하여 1971년부터 1973년까지 잘츠부르크 음악원에서 음악학 연구원으로 초빙 받아 연주습관과 역사적악기론을 강의하기도 하였다. 
고악기 분야의 양대 산맥으로 일컬어지는 아르농쿠르와 구스타프 레온하르트는 서로 밀접한 관계를 유지하면서 충실한 동역자로서 활동하게되고 이것이고 음악을 세계적으로 널리 확산시키는 동인이 되었다. 두 사람의 협력이 일구어낸 가장 큰 성과는 바흐의 칸타타 전집(199곡) 녹음이다. 이 놀라운 위업으로 두 거장은 1990년의 그라모폰상을 받기도 하였다.
 아르농쿠르의 이름이 고악기와 연관되는 경우가 절대적으로 많기는 하지만 오페라 부문에서 거둔 성과 역시 만만치 않은 것이다. 특히 1970년대에 들어서서 저명한 오페라 연출가 쟝 삐에르 포넬(Jean-Pierre Ponnelle)을 만나 수년간 동역자로서 오페라 공연에 나서게 되는데 스위스 취리히 가극장에서 시리즈로 무대에 올린 몬테베르디의 오페라 '올페오' '율리시즈의 귀환' '폿페아의 대관'은 센세이셔널한 반응을 불러일으켜 결과적으로 몬테베르디의 오페라에 대한 재평가를 내리도록 하는 눈부신 성과를 거두었다. 게다가 이들 작품은 아르농쿠르 자신이 교정본을 만들어서 지휘하였을 뿐 아니라 오리지널 악기의 독특한 사운드와 작품 해석에 대한 뛰어난 적응력을 보여 무대 위의 독창자들을 완전히 장악함으로써 일반 청중은 물론 전문가들의 큰 관심 속에서 대단한 논쟁이 벌어지기도 했지만 결과적으로는 고악기 앙상블에 대한 긍정적인 반응을 유도하여 유럽 유수의 오페라극장들이 다투어서 그를 지휘대에 세우는 한편 그의 해석을 추종하는 상황이 도처에서 벌어지게 되었다. 말하자면 아르농
쿠르의 몬테베르디가 하나의 표준이 되었던 것이다. 이때의 공연실황들은 Teldec(Unitel) 레이블로 CD와 LD로 발표된바 있다.
1980년대에 들어서자 아르농쿠르의 활동영역은 더욱 확대된다. 고악기 앙상블에만 전념하던 태도에서 벗어나 통상적인 오케스트라 지휘에도 나서기 시작한 것이다. 고악기 전문가라는 고정된 이미지에서 벗어나기를 원했기 때문이었다. 1984년, 빈 필하모니의 정기연주회에서 슈베르트의 교향곡 제4번을 지휘하면서 현대 오케스트라에게 고악기식의 아티큘레이션을 적용함으로써 매우 독특한 사운드 이미지를 표출하는 데 성공하였다. 이로써 역사적 검증을 거쳐 세계 최고의 명문 오케스트라라는 위상을 확보하고 있는 이 악단은 또 하나의 새로운 앙상블 지평을 열었다. 결과적으로 이들의 연주는 "매우 참신하다"는 찬사를 받았다. 
1980년대의 또 하나의 변화는 모차르트에 대한 집중적인 연구와 발표였다. "모차르트는 모든 작곡가들 가운데서도 최고의 로맨티스트다"라고 주장하면서 포넬과 함께 많은 오페라들을 녹음하고 5곡의 바이올린 협주곡과 최후의 4개의 교향곡을 발표하는 기염을 토했다. 특히 협주곡 분야에서는 기돈 크레머(바이올린)와 프리드리히 굴다(피아노)를 단골 파트너로 삼아 빈 필하모니와 빈 교향악단 등과 더불어 녹음을 발표하여 신선한 반응을 일으켰다. 그 가운데서도 굴다와 녹음한 '대관식 협주곡'은 대단한 반향을 일으켰다. 
빈 국립가극장에서는 모차르트의 '요술피리'를 지휘했는데 신연출을 적용시켰을 뿐 아니라 반주를 고악기 앙상블로 함으로써 연주법과 악곡의 해석에서커다란 시비가 일어나 첫날 공연이 있던 극장이 소란스러울 정도였다. 이후에도 빈 국립가극장과 긴밀한 관계를 유지하면서 모차르트의 '후궁으로부터의유괴' '코지 판 투테'를 지휘했다.아르농쿠르는 왕립 암스텔담 콘서트헤보우 오케스트라와 유럽 실내관현악단과도 긴밀한 관계를 유지하게 되는데 암스텔담과는 바하 시리즈를 녹음하는 한편 모차르트를 비롯한 고전파 작곡가들의 협주곡과 오페라를 녹음하는 과정을 통해서 새로운 사운드와 곡해석의 경지를 개척하였고, 유럽과는 1991년 '모차르트의 해'를 기념해 그의 후기 3대 교향곡을 연주하고, 1994년엔 잘츠부르크 하계음악제에서 베토벤의 교향곡 전곡을 연속 연주하는 등의 성과를 일구어냈다. 특히 유럽 실내관현악단과 녹음한 베토벤의 교향곡 전집은 어떠한 음악적 주문도 막힘 없이 소화할 수 있는 오케스트라의 풍부한 연주경험과 지휘자의 고악기 앙상블에 대한 열렬한 애정과 전문적 식견, 철저한 연구를 통해 체득한 작품 해석이 엄청난 상승작용으로 빚어낸 눈부신 성과로 평가되어야 할 것이다. 
아르농쿠르의 초기 녹음은 빈의 '아마데오' 레이블이었다. 물론 LP들이다. 작품은 르네상스와 바로크 시대의 실내악으로 거의 일관되었다. 1963년에 소속사를 텔덱(Teldec)으로 옮기면서 레퍼토리 변화를 모색하기는 하지만 역시 중점을 두는 쪽은 '만하임 궁정음악'류의 고음악이었다. 그의 이러한 활동에 많은 연주가들이 크게 영향을 받았고, 결과적으로는 세계 도처의 가극장에서 수많은 오케스트라들이 바로크 오페라를 오리지널 악기로 반주하는 경향을 보이게 되었던 것이다. 
1980년대부터 현대 오케스트라의 지휘를 맡는 등 영역의 확대를 꾀하고는 있으나 그의 일관된 음악정신은 "18세기의 작품은 18세기의 악기와 18세기의 미학으로 재현한다"는 것이다. 즉 오리지널 악기의 재현과 오리지널 미학적 기준을 재현하는 것에 그의 예술혼이 집중되었고 그것이 오늘날의 거대한 음악사조의 하나로 굳건하게 뿌리 내리고 있는 정격음악(定格音樂)을 가능케 했던 것이다. 
아르농쿠르는 '에라스무스상' '지멘스 음악상' '네게리 메달' '막스 음악상'등수많은 음악상을 받았다.
(출처:곽근수의 음악잉야기)